艺术教育对于社会的发展有哪些影响呢？下面一起去看看关于艺术教育的
题目：工业社会及现代艺术教育研究
摘要：工业社会的形成是在文明发展多元后并集体综合地展现出的一场人类社会的革新。在西方现代美术教育中，产生了将产品的审美性与现代功能性应用相结合现代艺术教育理念。新的文化形式应运而生，在美术运动中，由于社会形态的剧烈变化，传统的审美方式在大工业的快节奏发展中被逐步改变，此种快节奏的社会生活发展趋势带来全新的艺术审美，以艺术的形式美来反叛学院艺术的严肃的古典思潮。
关键词：工业；美学；现代艺术；艺术教育
工业作为人类社会进步的重大标志之一，它的文化蕴含具有不可替代性，对于工业文化的梳理与保护在当代社会发展中具有重大意义。在欧洲文艺复兴时期，哥白尼的日心说重塑了人们对自然规律与人本质的定位，注重客观与科学的自然本质追寻，开始影响着人们的意识形态。第一次工业革命从18世纪60年代，英格兰中部地区首先完成资本主义工业化的最初萌芽，以从工场手工业向机器大工业转换为标志。科技的进步使得大机械生产规模化，从而取代传统手工业作坊的小规模生产活动，机械生产代表着生产力与科学技术的革命性进步。从18世纪末至19世纪初，英国发生了“工业革命”后，在大工业的时代背景下，工业文化衍生成为文明进步的组成因素，其中艺术也通过工业社会的发展出现了全新的艺术载体形式。工业革命的标志为瓦特对蒸汽机进行了全新的改进，此后众多的科技进步推动着机械生产的步伐，这场重大的生产方式革命性转变迅速席卷欧洲大陆，并在19世纪传播到北美地区。第二次工业革命是指19世纪下半叶至20世纪初的电气时代，以美国的大量生产的技术革新与德国的科技领先为主导。第三次工业革命发生在20世纪后半期约在第二次世界大战之后人类进入信息时代。工业革命的爆发至使工业体制与工业社会的产生，工业文明也随之应运而生。工业社会的形成是在文明发展多元后并集体综合地展现出的一场人类社会的革新，对待科学发展的理性逻辑思维成为这场革命的源泉。工业革命由资本主义经济客观发展所带来，它的发展代表着工业体制的产生与资本主义社会的发展。在1870年左右，新的艺术价值取向开始在欧洲蔓延，艺术家的创作开始与哲学、科学、民族、社会等因素相结合，拓展出艺术的形式语言性、表现性、装饰性等语言探索。艺术家个体的精英化精神，取代了美术创作的群体化标准，个性语言成为艺术表达的宗旨。工业革命之后，机器生产带来大工业的全新生产模式，它取代了手工业时代以劳动力为基础的生产模式。生产模式的全新确立，产生了在工业流程中出现的具体分工，产品的生产与设计出现了与传统手工业制造工匠完成制造与设计模式的区分。在社会分工上，设计成为单独领域从生产过程中脱离出来，在这种情况下，大工业的生产方式与传统的艺术观念出现矛盾，此时艺术设计出现依赖工业的机械生产，而并不关心产品的艺术性与普通人的关系的问题，工业生产流程化带来产品质量的粗陋，产业技术开发人员与工厂雇主只关心工业产品的营销与技术和材料的更新，对产品的艺术性与实用性持不屑态度。
一、亨利伯格森的哲学理论与现代艺术
工业发展与科学进步带来人们生活和思想的转变，思想观念开始追求全新的艺术形态，努力寻找着全新的思维拓展领域，发掘着主题的深刻性，生活的瞬息万变成为创作观察的切入点，其观念的产生依附于工业发展后社会出现的现象。法国哲学家亨利伯格森的哲学观点对现代派艺术影响巨大，为现代艺术的发展提供了理论思想。伯格森对人的思维中理性成分持批判态度，他主张艺术创作要避免理性将事物的真实性所带来的静止。他提倡运用人的直觉，因为直觉会持续推动事物变化的量，并延续事物的运动。事物的存在是发展的，在发展中保持运动的方式，也是事物相互作用中延续的过程。伯格森认为人类思维与生存意识的解放可以通过艺术的方式进行，它可以触发人类在既定社会标准中释放和投入对生命本质的需求。在艺术形式中，无论是一幅绘画、一件雕塑、或是一首乐曲，其作品功能会让人产生联想与思维的跳跃，艺术成为精神载体的途径来自作品在欣赏者中产生的共鸣，作品的来源出自作者的思想浓缩与对物质事物的提炼，在这里，伯格森的艺术主张为“精神物质主义”。时间作为理论使得帕格森理论为对19世纪末期出现的新型艺术的解释带来启发性的含义，在艺术创作中，时间作为无休止的运动规律影响着艺术作品产生的即兴感，其意在突出和重视作品产生过程的灵感。这一点从印象派开始，艺术创作与作者主观感受便密不可分，作品以分离似的色彩附着于绘画形式之中，使作品明晰作者的瞬间感受。艺术家的内心活动更加清晰地在艺术创造中显露，在观者的思维推动下，联想、记忆、情感触碰在与艺术作品的互动中出现新的感知触碰。在科学技术与意识形态发展的推动下，19世纪以后的现代艺术开始与人的思维产生共识，并逐渐成为新型社会意识形态中艺术发展的主流。
二、包豪斯学院与现代艺术教育
工业进步带来物质的丰富，在18世纪末，欧洲开始出现重视科学与发展的客观思维，这种对自然物质发现与创造的过程的重视，至使欧洲社会的思想和经济得到快速发展。物质的迅速发展与进步的同时，道德、精神、审美取向等并未和物质的发展同步。在工业链条中，人的主导意识开始服从机械生产的束缚。第一次工业革命的`伊始阶段，欧洲的复古风潮为工业设计的实用性带来不切实际的繁琐矫饰。英国人威廉莫里斯在19世纪后期发起了艺术与手工业运动，但是莫里斯在这场运动中过分强调艺术家的独立性，而脱离了大工业产业化模式，这使他未能解决新兴产品技术与艺术观念的矛盾。20世纪初出现的新艺术运动，也未对大工业革命性生产作出明确的判断。德国现代艺术史的代表人物海尔曼穆特修斯针对英国的艺术设计的问题，确立了以艺术设计的形式解决大工业生产与手工制造之间的矛盾。德国工业同盟组织的出现，为美术融合于工业社会做出了巨大贡献，包豪斯的创始人格罗皮乌斯在青年时代成为该组织的重要成员。作为现代艺术设计教育的诞生地，德国包豪斯学校的教育理念将工业社会的发展与艺术关于美的功能进行了现代含义的协调，将艺术的审美与技术发展融合于一体。格罗皮乌斯致力于在设计中向无生命的工业产品注入生命力，探究历史上美术家将造型观念融入各个领域的现象进行研究，推崇在欧洲古代的众多画家涉猎很多设计领域。格洛佩斯是德国现代主义建筑的大师，包豪斯的校舍由他亲自设计，并遵照建筑的功能规律与实用性，突出现代工业技术材料与建筑结构功能的特性，发挥建筑自身构成所表现的美学特征。这些校舍成为包豪斯建筑设计的开端，开创现代主义建筑的先河。在包豪斯的教师队伍中包括了众多的现代艺术的大师，抽象艺术的先驱之一瓦西里康定斯基在包豪斯承担现代构图理论知识的课程，《点、线到面》的出版将美术中的组成因素，分化成构成要素之间的关系。俄国的至上主义和构成主义的理念被康定斯基带入包豪斯的教学之中，他强调将线条的变化引入画面的节奏的关系，在空间中创造出线条的三维变化，将艺术思维方式建立于想象、分析具象与抽象元素之间的内部联系。他将绘画的抽象元素作为展开思想与精神的方式，在教学中，通过作品的实例来对学生进行实际的启发。另一位在包豪斯执教的现代派艺术的代表人物瑞典艺术家克利，他被赞誉为最富诗意的造型大师，在克利的艺术中，他将图像分解成几何的形式与色域之间的体块。他的艺术图像风格多变，在物象的选择上运用色彩来穿梭于具象符号与线面节奏之间的变换。由于他的绘画主题充满了幻想与奇妙，使他的艺术被视为超现实主义绘画的范畴。他将个人情感与绘画中创造性的要素联系起来，将客观存在的事物转换成思想的意识形态。在设计中，包豪斯的教育方式使学生在熟悉现代工业生产技术方式的同时，并寻找现代设计中的规律性发展。将美学理念融入工业机器的生产复制方式中，形成一种简便明快的工业生产形式，将工业设计中的现代性推向了一定的高度。包豪斯的教育理念与其教育过程，形成了现代设计理念诞生的过程。同时，包豪斯在其美学中也出现对构成主义的过度关注，为突出工业产品设计上的材料学与设计形式的简约而忽略人在使用过程中的情感需求。在现代主义艺术思潮中，包豪斯学校把现代工业生产与传统手工制造相结合，在学习过程中将教学与生产制作工艺相结合，并形成与实际生产相结合的教育体系，将艺术的形式带给社会中的大众，艺术的形式不在受控于阶层的分化中，同时，它将现代技术革新融入生产设计之中，大大降低了生产成本，通过现代材料的功能化应用从而提高生产效率，艺术开始走入普通人的现实生活之中。
参考文献：
［1］刘剑虹.具象研究［M］.北京：中国人民大学出版社，2003.
［2］蒋跃.绘画形式语言［M］.北京：人民美术出版社，2012.
［3］布伦丹普伦维勒著.20世纪现实主义绘画［M].应沂，译.上海人民美术出版社，2015.
一、平面设计中模糊性的表现手法
1.抽象法
抽象法是指从众多的有机联系的整体事物中抽取出共同的特征以显示出事物的本质属性和特征的一种表现手法。抽象法并不善于还原事物的本来面貌，因此受众多会产生困惑感，这也是将其归纳为模糊性表现手法的最主要依据。虽然为了更加突出事物的本质特征，抽象图形发生了夸大变形，但是其自身所具备的的抽象美以及蕴含在抽象外表之下的丰富内涵却让人回味无穷。具体而言，设计师在采用抽象法的时候利用点、线、面、体等抽象语言将抽象图形与原图形的距离拉开，可以使画面形象产生一种朦胧、模糊的感觉。如著名的现代艺术家瓦西里康定斯基完全抛弃了事物原来的形态特征，通过抽象法将作品中的相关元素进行了有节奏的安排处理，从而使平面作品上升到了一个新的艺术高度，给受众带来了视觉上的愉悦感。又如，汤忠谦的招贴设计《自由》就是采用的抽象法，该幅作品呈现出的是有规律、有节奏的白色细线的旋转，是设计师利用现代电脑技术对飞翔中的小鸟的翅膀进行抽象化处理后的结果，象征了对自由的召唤。再如，蒙德里安所设计的《百老汇的爵士乐》将色彩按照数学的形式进行了抽象的划分，并对不同的色彩进行对比和配置，从而使受众从视觉上的感受转换为听觉上的享受，恰好符合该作品“音乐”的主题。
2.错视法
在平面设计中，错视法是最为有趣的一种模糊性的表现手法。由于人类的生理原因常常会造成眼睛的视错觉，而利用这种视错觉可以创作出许多诙谐有趣的图形，为平面设计增添趣味性。一般而言，错视可分为形的错视和色的错视。形的错视是指对物象形态、面积大小以及用线长短曲直的错视理解；色的错视是指不同背景环境下所产生的色彩的明暗深浅、前进后退等方面的错视觉。无论是哪种类型的错视在平面设计中都得到了充分的运用，并具有较强的视觉趣味性和审美幽默性。以错视觉大师埃舍尔1961年创作的一幅石版画《瀑布》为例，该画以彭罗斯的三角原理为基础，画面中有一条瀑布从三楼倾泻而下，落在一楼的小水池中，随后水池里的水顺着弯弯曲曲的水渠流走，但是我们会意外地发现水渠里的水又流回到了三层小楼的瀑布口，然后再流到小水池，如此循环往复、永不停歇，从而产生一种错视幻觉，暗示了生命的轮回和生生不息。
3.拼贴法
拼贴法起源于20世纪初，最早由立体主义先驱毕加索与勃拉克将一些非绘画材料以拼贴的形式用到绘画作品中，是对传统绘画形式的一种反叛。拼贴，是对原有的旧意义的破坏以及新意义的诞生，它是将不同时代、不同风格、不同表现方式、不同属性或是不同材质的元素互相拼凑在一起而形成的一种不完整的画面，借以来表达内心复杂的情绪和外面纷繁的世界，而模糊的画面恰好表现出了现代人类面对现实社会时的迷茫。此外，拼贴法所特有的片断性、割裂性以及调侃性打破了平面空间的束缚，扩大了受众的想象空间，丰富了受众的视觉感受。尤其是在图像处理技术日臻成熟的今天，利用计算机等现代技术来完成的拼贴作品更能准确地表达出设计师的真实想法，产生一种别样的审美体验。例如，我国香港设计大师靳棣强的招贴设计《自在》花纹纸系列采用的就是拼贴法，设计师利用我国所特有的水墨元素，将几种不同的自然元素巧妙地组合到了一起，画面中的每一个物体也因此脱离了原来的生存环境，被迫融入到一种新的画面中去，从而将具象和意象拼贴到一起，形成了一种既有创新意识又不失传统精神的画面。又如，由深圳SenceTeam山河水团队设计的《大生意》海报就对“纸质钱币”进行了拼贴式的创作，设计者将全球各国的钱币拼贴成不同国家、不同年龄、不同面孔的人物形象，并将钱、物质和品牌巧妙地联系到一起，以一种全新的方式让受众对“钱”与“欲望”进行反思，十分符合该作品的设计主题。
4.透叠法
透叠法也是平面设计中模糊性的常用表现手法之一，其是将两个或是两个以上的图形进行重叠，以产生非同一般的`空间层次和深邃的空间含义，是一种独特的视觉效果。在透叠过程中，相互重叠到一起的图形既保持了各自图形的独立性，又能彼此互动产生新的图形，较之单个图形其所具有的意义更为丰富。此外，透叠法会使画面产生丰富的层次感，而不同的层次感又会产生一种由二维空间向三维空间过渡的模糊感，这更有利于平面作品主题的传达。以贺莉浩的创意明信片《胡同地图》为例，设计师利用透叠法将北京地区各个胡同的地图叠加在一起，形成一张新的胡同地图。在这一作品中，多张地图通过不同的方向以及前后距离的差距产生了空间上的层次感，使每张地图之间相互独立又相互联系，而多个地图透叠而形成的模糊性也代表了正在消失的北京的物质文化遗产以及非物质文化遗产。总之，整体画面于模糊中透露着一定的空间层次感，表现出了我国人民对老北京胡同的深深怀念之情。
二、结语
在现代日益纷繁的世界中，越来越多的设计师认识到简单明了、干净利索的图形已经失去了其原有的吸引力，并开始逐渐欣赏与认同一些不完整、不明确、无秩序的图形，平面设计中模糊性的图形因此大行其道，并受到了设计师和受众的双重肯定。在此，笔者希望通过对模糊性的几种表现手法的论述，帮助大众更好地了解模糊性表现手法，并以此推动现代平面设计的发展和进步。
无论是在我们的现实生活中还是在我们的语文教育中，文学的价值都没有得到应有的评估，尤其是在当前这个浮躁、喧嚣的消费社会中。以往，我们侧重强调的是文学的思想教育作用和宣传鼓动作用；现在，人们更看重的是文学的消遣和娱乐作用，甚至它的市场轰动效应。文学最内在、最深层的价值却被忽略了。在我看来，文学作为人类的精神创造活动，它还应当是人的生命存在的一种支撑，一种情感与精神的支撑。
从原始文化学的意义上讲，人类在其还不太会直立行走的时候就已经能够翩翩起舞，在其还不会说话的时候就已经能够唱歌，在其还不会写字的时候就已经能够绘画，在其还不会制定法律条文、撰写科学论文的时候就已经会创作故事和诗歌。因此我们可以断定：文学艺术，是人类生命进化史中的一个包容诸多的“原点”，一个出发点。而同时，这个“原点”又使它在人类生命活动史中永远占据一个“顶点”，一个精神的制高点。如俄国美术家瓦西里康定斯基所说的：“人类的精神生活可以用一个巨大的锐角三角形来表示，它缓慢地、几乎不为人们觉察地向前和向上运动。”在不同的历史时期，“三角形的顶端经常站着一个人”，这个人就是像贝多芬、德彪西、梅特林克、莫奈、马蒂斯、毕加索这样的伟大的艺术家，当然也包括像荷马、但丁、莎士比亚、歌德、托尔斯泰这样的诗人、小说家。
在人类生活与人类历史中的定位使文学艺术拥有了这样一些“天性”：既根植于大地，又仰望着天空；既是真实的生活，又是虚幻的想象；既是本能的喷涌，又是理性的张扬；既拥有肉体的丰厚，又拥有精神的空灵；既是对于往昔的追忆，又是对于未来的憧憬。它拒绝一切形式的人与自然的割裂、物质与精神的偏执、思维与本能的对立、本体与现象的拆解、理智与情感的剥离。它始终追求的是一种圆满、充盈的生命形式，一个真实、独特、富有创造活力的个体。人类的文学艺术活动，几乎就是地球生态系统中天地神人和谐相处、健康发育的一个楷模。
文学艺术可以作为一个时代的精神状况的象征——“在艺术得不到人们的维护，同时又缺乏真正的精神食粮的时代，精神世界是衰微的。灵魂不断从高处跌落到三角形的底部，整个三角形显得死气沉沉，甚至倒退和下滑”。
文学艺术作为一种精神又是内在于每一个人的身心之中的——“任何人，只要他把整个身心投入自己的.艺术的内在宝库，都是通向天堂的精神金字塔的值得羡慕的建设者”。
文学艺术，并不只是一种职业一门技能，在现实生活中，远不是所有人都能够创作出成功的文学作品和艺术作品，但是每一个人都可以拥有诗的心境和艺术的情致，以超越功利的、发自内心的、充满喜悦和感激的心态对待生活，这样的人即使一字不识，也仍然是一位艺术家，一位诗人。
诗意地栖居意味着独立自主、自得其乐、自我完善。文学艺术本质上是肯定，是祝福，是生存的神话，是人们的自我救治、自我保健。无论你从事的是什么职业，只要你能够走进这样一种人生境界，你的生命就是富足的、健康的、美好的，那么，你也就在精神上站稳了生存的出发点，同时也占据了生存的制高点。
1.对文学艺术拥有的“天性”理解错误的一项是（ ）
A．文学艺术应该是人与自然、物质与精神、思维与本能、本体与现象、理智与情感的和谐统一。
B．文学艺术追求的是一个真实、独特、富有创造活力的个体。
C．文学艺术是地球生态系统中天地神人和谐相处、健康发育的模范。
D．文学艺术仰望着天空，是虚幻的想象、理性的张扬，拥有精神的空灵，是对于未来的憧憬。
2.下列理解符合原文意思的一项是 （ ）
A．文学是人类的一种精神创造活动，因此，它应该支撑起人的生命、支撑起人的情感和精神。
B．文学作品既可以内在于每一个人的内心世界中，又可以反映一个时代的精神面貌。
C．只要每一个人都努力创作，那么，你就会在精神上站稳生存的出发点，占据生存的制高点。
D．文学艺术是人类生命活动史中的精神制高点，贝多芬、托尔斯泰等艺术家是这个制高点上的代表人物。
3.根据原文提供的信息，下列推断错误的一项是 （ ）
A．在当前这个浮躁、喧嚣的消费社会中，我们更应该重视和挖掘文学最内在、最深层的价值。
B．只要创作出成功的文学作品和艺术作品，就能诗意地栖居。
C．艺术家、诗人并非专指能够创作出成功的艺术作品和文学作品的人。 D．重视、维护文学艺术，可以让我们的精神世界更加丰富起来，我们的时代也可能因此拥有更加充盈的精神食粮。
参考答案：
1.（3分）C(过于肯定。原文“人类的文学艺术活动，几乎就是地球生态系统中天地神人和谐相处、健康发育的一个楷模”。)
2.（3分）D(A曲解原意，原文的意思是文学“还应当是人的生命存在的一种支撑，一种情感与精神的支撑”。B“文学作品既可以内在于每一个人的内心世界中”错，应为“文学艺术作为一种精神又是内在于每一个人的身心之中”。C“每一个人都努力创作”错，并不是所有人都会创作。)
3.（3分）B(强加关系。应该是“以拥有诗的心境和艺术的情致，以超越功利的、发自内心的、充满喜悦和感激的心态对待生活”，才能诗意地栖居。)
